ICONICA

No mundo astronómico, uma nova não é apenas uma nova estrela. É um aumento repentino e impressionante na luminosidade, um momento em que um corpo celeste que antes tinha um brilho modesto irrompe com tanta intensidade que temporariamente ofusca toda a sua galáxia. Este fenómeno serve como metáfora definitiva para o 2026 SKINGRAPHICA Rising 20, onde cada artista em destaque é oficialmente designado como uma NOVA.

Estes são os indivíduos que fizeram a transição do silêncio dos estúdios privados para uma magnitude ofuscante e de classe mundial. Eles são os novos arquitetos da indústria, criando uma explosão visual que redefine os limites da tela humana e sinaliza um futuro onde inevitavelmente irão desmantelar as hierarquias do Global Top 100 Graphica ou reivindicar um lugar entre a elite do ranking Global Top 10 Black Ivy.

Para identificar essas vinte pessoas, os nossos inspetores ignoraram a vaidade vazia das métricas das redes sociais e, em vez disso, vasculharam o mundo em busca de substância técnica profunda, inteligência anatómica e pensamento original. O que descobriram foi uma rede descentralizada de génios que sugere que a guarda estabelecida da indústria tem muito a considerar.

A geopolítica da agulha

A mudança geográfica por si só conta uma história de conquista global, com os Estados Unidos a manterem uma presença significativa em 40% da lista, concentrada em caldeirões metropolitanos como Manhattan, Los Angeles e San Antonio. A Europa segue com 25% da representação, liderada pela sofisticação estrutural italiana, o realismo clínico das regiões nórdicas e a profundidade académica sombria de Berlim.

A Ásia representa 20% do grupo, já que a China e a Coreia do Sul se tornaram as pioneiras definitivas de uma estética pop-vanguardista que resgata a arte da pele de uma história de estigma social. Os 15% finais são uma prova da era nómada digital, com mestres emergindo do brilhantismo isolado da Austrália e Nova Zelândia, juntamente com a profundidade conceptual encontrada na costa ensolarada de Malta.

Intervenção arquitetónica

Uma das trajetórias mais empolgantes identificadas pelos nossos inspetores é a mudança da tatuagem como mera decoração para a tatuagem como intervenção arquitetónica. A velha guarda costumava tratar os membros como telas planas, mas a Rising 20 trata o corpo como uma estrutura dinâmica e tridimensional.

Em Melbourne, Sebastiano Perazzetta, universalmente conhecido como Peste, exemplifica isso ao ver a forma humana através das lentes da escultura renascentista e da arquitetura veneziana. Nascido numa pequena cidade perto de Veneza, passou a sua adolescência a frequentar museus e a Academia de Belas Artes, aprendendo as leis da composição e da anatomia através da observação direta.

Peste descreve os seus primeiros anos como um período de intenso foco, no qual aprendeu que a fantasia rock n' roll da tatuagem era secundária em relação à disciplina inconsciente do ofício. «Adoro o ofício e a liberdade de criação. O meu foco está na arquitetura da tatuagem e em como ela interage com o movimento da forma humana», diz Peste.

O seu estilo característico, uma fusão de alta tensão entre blackwork, abstração geométrica e surrealismo sombrio, usa a topografia do corpo para fixar os desenhos, garantindo que eles tenham o mesmo impacto durante uma corrida que numa pose estática. Essa abordagem estrutural é o que define a sua designação como NOVA, já que ele se vê como um designer do corpo, criando estruturas estéticas personalizadas que mudam a forma como uma pessoa se move pelo mundo.

Essa sensação de inteligência anatómica ecoa na cidade de Marsaskala. Arlen Bellotti trabalha como terapeuta conceptual da pele, recusando-se a começar um trabalho até que seja alcançado um avanço psicológico com o cliente. A sua jornada começou com uma tradição maltesa profética em que, ainda bebé, lhe foram apresentados vários objetos para prever o seu futuro, e ele escolheu um lápis de cera.

«A arte cresce quando o artista encontra paz interior, e quero que o meu trabalho reflita essa harmonia estrutural», afirma Bellotti. Ele não se limita a colocar um desenho, ele integra-o na estrutura esquelética de quem o usa, traçando o fluxo dos músculos para criar um trabalho que parece ter crescido, em vez de ter sido aplicado. SKINGRAPHICA ficaram particularmente impressionados com a sua consciência do espaço negativo, usando o tom de pele do próprio cliente para criar profundidade e estrutura em desenhos que muitas vezes apresentam figuras em queda ou buracos negros geométricos.

Da mesma forma, em Pordenone, Federica Orlando construiu uma carreira com base numa compreensão excecional do fluxo corporal. O seu trabalho parece contínuo e intencional, concebido para se mover e respirar com os músculos de quem o usa, utilizando o espaço negativo como elemento principal do design. Orlando inspira-se nos princípios tradicionais japoneses para ancorar o seu trabalho moderno em preto, sabendo exatamente quando é necessária uma linha arrojada para a estrutura e quando o trabalho magnum deve assumir o controlo para definir a massa.

A Física da Luz

A física do Rising 20 está a redefinir a textura da própria pele. Estamos a testemunhar um domínio de superfícies não tatuáveis, como luz, cromo e líquido, que desafiam a própria biologia da tela. Andres Makishi, em Nova Iorque, é o alquimista desta classe, pois o seu Chrome Realism característico faz com que a derme humana pareça uma superfície de mercúrio acumulado ou prata polida.

Nascido no Peru, numa família de pintores onde a arte era a língua nativa, a sua jornada começou com um equipamento caseiro construído pelo seu pai. «Mudei-me para Nova Iorque para crescer e encontrar a minha própria voz», diz Makishi, que passou os seus primeiros anos numa busca incansável pelo brilho realista. Ao estudar a forma como a luz reflete em objetos metálicos, ele usa um conhecimento avançado da velocidade da máquina e da pressão da mão para alcançar um acabamento alquímico que muda a forma como o corpo é percebido.

«O meu objetivo é criar um brilho e um reflexo credíveis que alterem a forma como o corpo é percebido», explica ele. Os inspetores ficaram impressionados com o seu foco constante ao lidar com texturas complexas, observando que criar um efeito de brilho realista dentro de quadrados geométricos requer uma compreensão controlada das transições tonais.

Essa obsessão pela física da luz é partilhada por Aldo Moreno, na Suécia, que passou uma década obcecado em capturar o comportamento fugaz da luz num meio permanente. A sua jornada começou com uma câmara e um lápis, desenvolvendo um olhar fotográfico que lhe permite ver os valores da luz de uma forma que poucos outros artistas conseguem. Antes mesmo de tocar numa máquina de tatuagem, ele passou anos a estudar os mestres clássicos da pintura para aprender como a luz define a forma.

Moreno representa o fim da moda das fotos recentes, pois prioriza o resultado final e definitivo em vez da gratificação imediata. «Um bom trabalho é aquele que é tecnicamente claro e resiste ao teste do tempo», observa Moreno. Ele acredita que uma tatuagem deve respeitar o fluxo geral do corpo. Os inspetores destacaram a sua técnica de camadas não traumática e a sua capacidade de alcançar detalhes finos em áreas apertadas usando sombreadores redondos, uma abordagem que muitos evitam devido à sua dificuldade.

Em Los Angeles, Dan McWilliams faz com que o realismo hiper-técnico pareça fácil, encontrando o equilíbrio perfeito onde um design parece nítido sem se tornar agressivo, misturando-se naturalmente com a pele de quem o usa. A sua força criativa reside na fusão de elementos fotográficos realistas com referências animadas, como a combinação de consolas de jogos hiper-realistas com personagens Pokémon vibrantes.

Entretanto, Tania Tkachenko, conhecida como Green Vesper, emprega técnicas que produzem um acabamento molhado, semelhante ao cromo, exigindo uma compreensão disciplinada de como o pigmento reflete nos contornos naturais do corpo. Cada brilho de luz em seu trabalho é intencional e alinhado com uma fonte consistente para garantir que a tatuagem pareça uma entidade viva.

A Condição Humana

Para além do técnico e do estrutural, a turma de 2026 está a mudar a cultura para uma forma mais profunda de contar histórias. No mundo acelerado da cidade de Nova Iorque, a artista, conhecida pela comunidade global como Poesis, criou um santuário de tranquilidade e profundidade psicológica. A sua jornada é uma odisseia moderna, pois nasceu em Israel e passou os seus vinte e poucos anos como uma nómada da agulha, viajando pela Europa para absorver linguagens artísticas distintas.

Essa existência nómada moldou o seu foco na conexão, na memória e na condição humana. O ponto de viragem na sua carreira foi um mês decisivo passado ao lado do mestre do micro-realismo Kozo, aprendendo a delicada física da teoria das cores. «A principal inspiração é sempre as emoções que se encontram por baixo da superfície», explica Poesis.

Ela chegou ao topo da lista da NOVA ao ver a tatuagem como um espaço partilhado onde a intuição do artista e a história emocional do cliente se cruzam. Ela enfatiza um princípio simples: «Lidere com coragem e gentileza, e tudo o resto virá por acréscimo». Para ela, a conexão com o cliente é mais importante do que qualquer obra de arte que ela venha a criar. Os inspetores notaram a sua rara compreensão de como as ideias surrealistas permanecem no corpo ao longo do tempo e a sua capacidade de evitar complicar demais as peças, apesar da complexidade de motivos como pássaros a emergir de livros ou portas que conduzem a outras dimensões.

No panorama industrial de Berlim, Lolita Malenkina, conhecida como Lolita Malen, cria obras que parecem contos de fadas assombrosos. A sua jornada começou com uma educação estritamente académica, onde foi forçada a seguir regras rígidas na escola de arte e na universidade. «Percebi que era uma estranha entre os meus e que não conseguia respirar naquele ambiente», diz ela.

Isso levou-a ao mundo underground da tatuagem, onde ela quebrou as regras, mantendo a sua disciplina académica. Hoje, ela é líder no surrealismo sombrio, criando altares narrativos para os seus clientes. A sua filosofia é simples: a tatuagem deve ser uma exteriorização permanente do mundo interior de quem a usa. «Um bom trabalho significa encontrar o equilíbrio perfeito entre a anatomia e a história», observa ela.

Essa tendência de usar a tatuagem como uma exteriorização permanente do mundo interior de quem a usa também é vista no trabalho de Arbel Nagar, em Los Angeles. Nagar infunde realismo com um toque lúdico, alcançado através do contraste de linhas gráficas com detalhes finos e micro-realistas. O seu domínio técnico da luz e do espaço negativo é avançado, e a sua disciplina em saber quando parar garante que o seu trabalho envelheça com elegância.

A Vanguarda Asiática

Nos movimentados centros artísticos da Ásia, a tradição está a ser reconfigurada para a era moderna com inovação agressiva. Em Seul, Jiho Yoon, conhecido profissionalmente como YOON, está a liderar uma revolução visual como fundador da Loyostudio, recuperando a pele de uma história de estigma social. «Eu era rebelde e obsessivo quando criança. Adorava dinossauros e insetos, e frequentemente fazia coisas incomuns», admite YOON.

Essa energia não convencional resultou no seu estilo Trippycat característico, uma estética psicadélica que explora um único tema em várias dimensões. «O mais importante para mim é a liberdade de expressar a minha própria visão sem compromissos», afirma YOON. Ele trata a pele como um ecrã digital, sobrepondo padrões e distorções que imitam a estética glitch do século XXI. Ele demonstra um forte controlo através de uma desaceleração deliberada da velocidade da máquina e da profundidade da agulha para obter texturas pictóricas onde os traços individuais da agulha permanecem visíveis.

Em Hangzhou, Qiwei Xu, conhecida como Meow-Meow, está igualmente a reescrever as leis atmosféricas da saturação de cores. A sua história começou com uma inquietação incessante pelo desenho, um impulso que acabou por levá-la a pegar numa máquina de tatuagem há dez anos e nunca mais olhar para trás. O seu estilo é uma resposta direta ao status quo frio e dramático que dominou a cena da tatuagem chinesa durante gerações.

Ela escolheu uma rebelião otimista que trata a pele humana como um local de alegria na era digital. Para ela, a lição mais importante do seu desenvolvimento inicial foi a constatação de que «manter-se fiel à intenção original da arte é a única forma de garantir a longevidade». Ser nomeada artista NOVA é uma validação do seu compromisso em manter a paixão acesa, ao mesmo tempo que mantém uma ética de trabalho implacável e clínica. Os inspetores ficaram impressionados com a sua carga de pigmento impecável e a sua capacidade de variar a espessura da linha para criar formas mais ousadas.

Contraste isso com Mingyuan Yin, conhecido como Myuan, que está a construir um legado definido pela herança cultural. Myuan concentrou a sua energia inicial no papel e no lápis, pois acreditava na necessidade absoluta do desenho básico. A sua filosofia é de síntese cultural, onde o espírito central da cultura oriental é traduzido através de luz e sombra realistas. «A alma de uma tatuagem reside no seu desenho original», acredita Myuan. Ele possui uma maturidade rara ao saber quando fixar uma peça com linhas ousadas e quando usar traços coloridos e subtis para realçar o realismo.

A Mudança do Pacífico

O Rising 20 também destaca a Pacific Shift, onde tradições antigas são navegadas com uma fluidez renovada. Jaeyun Lee, conhecido como Ryun, em Auckland, Nova Zelândia, está a redefinir os limites da tatuagem tradicional japonesa. A jornada de Ryun é uma viagem alucinante, desde ser uma estrela do break dance até servir no exército na fronteira entre a Coreia do Norte e a Coreia do Sul.

«A disciplina que aprendi no exército e na dança é exatamente o que trago para a agulha», observa Ryun. Ele trata cada tatuagem como uma performance em tinta, dominando o fluxo da forma humana com uma dedicação monástica. «Dominar o dragão é uma disciplina que leva décadas, e cada escama deve ser colocada com intenção absoluta», explica Ryun. Ele evita o barulho da indústria para se concentrar em raízes técnicas profundas, tornando-o o navegador definitivo da arte japonesa moderna no Pacífico.

Execução calma em situações difíceis

O que, em última análise, distingue um artista NOVA de um mero talento é a execução calma em situações difíceis. Minh Pham, em San Antonio, Texas, é um dos hiper-realistas mais tecnicamente proficientes da cena global. Nascido no Vietname em 1999 e criado com um fascínio por desenhar pequenos objetos, a sua jornada começou aos dezasseis anos. Depois de se mudar para os Estados Unidos em 2019, ele superou desafios culturais para se tornar um mestre de renome mundial.

«Se é visualmente impressionante, cativa-me, e quero que o meu trabalho tenha o mesmo impacto poderoso em qualquer pessoa que o veja», diz Pham. A sua filosofia é uma busca incansável pela excelência e clareza visual, definida pela lição de «disciplinar-se e manter a paixão acesa dentro de si». Ele é especialmente conhecido pelo seu estilo Oni Doll, que executa com uma mistura única de horror e beleza. Os inspetores notaram o seu controlo excecional com agulhas magnum de ponta suave e bugpins, permitindo que as formas fluam naturalmente na pele sem bordas ásperas.

Da mesma forma, em Pequim, Jie Wu, também conhecida como 吴婕, conseguiu trazer a arte clássica chinesa para o estúdio. O seu trabalho é uma aula magistral de integração pictórica, caracterizada por uma mistura única da fluidez da aguarela e das texturas tradicionais da pintura a óleo. «Quero que o meu trabalho apresente beleza e transmita sentimentos profundos a quem o usa», explica Jie Wu.

Os seus retratos possuem frequentemente uma qualidade emotiva que dá a sensação de que o sujeito está a respirar dentro da pele. SKINGRAPHICA ficaram impressionados com a sua capacidade de traduzir o realismo pictórico, mantendo um profundo respeito pela forma como a tatuagem deve permanecer no corpo. O seu manuseamento das magnums é delicado, mas confiante, alcançando um equilíbrio entre a densidade do pigmento e a preservação da pele.

No domínio especializado do blackwork, Konrad Horodecki, conhecido como Rudy Dziara, na Polónia, alcançou reconhecimento pelo nicho tecnicamente exigente da tatuagem White-On-Black. Este processo requer imensa paciência e um profundo conhecimento da tolerância da pele, pois introduzir tinta branca sobre preto previamente saturado é uma cirurgia delicada que requer meses de recuperação. Este nível de maturidade técnica, saber quando reduzir a voltagem da máquina e a velocidade da mão para evitar traumas desnecessários, é o que o destaca como líder no blackwork gráfico.

Especialistas como Riccardo Rossi, conhecido como Pelle Ossa, em Milão, comprovam ainda mais que o futuro da tatuagem pertence aos técnicos. Usando agulhas de linha com precisão cirúrgica, ele cria um trabalho denso e texturizado que dá às suas tatuagens uma qualidade tátil semelhante a grãos. Os inspetores ficaram impressionados com a sua capacidade de equilibrar essas texturas intricadas com linhas ousadas e espaços negativos intencionais.

Outros artistas, como Ash MacIsaac, em Plymouth, dominam uma textura específica dentro do preenchimento de cores que confere ao seu trabalho um efeito distinto de vitral, através do uso controlado de pinceladas largas. Isso cria uma qualidade tátil que integra a arte à pele, em vez de deixá-la apenas na superfície.

Em Ellicott City, Max Murphy possui uma habilidade rara de absorver os fundamentos da tatuagem tradicional americana e traduzi-los numa linguagem gráfica pessoal. O seu trabalho é um estudo em execução limpa, caracterizado por uma forte saturação e traços nítidos. Uma das suas marcas técnicas distintivas é uma suavidade sutil nas bordas, como se a agulha tivesse sido ligeiramente aberta, criando uma qualidade arredondada e pictórica.

O veredicto

Para garantir que o Rising 20 represente o verdadeiro futuro do ofício, os nossos inspetores utilizaram uma estrutura rigorosa, na qual a base técnica continua a ser o alicerce. Eles avaliaram o controlo fundamental da agulha, a estabilidade da linha e a disciplina de saturação, excluindo qualquer dependência de filtros ou impacto superficial sem integridade estrutural.

Além da habilidade bruta, os artistas da NOVA devem demonstrar compostura ao executar trabalhos tecnicamente exigentes, nos quais a complexidade deve parecer intencional, e não improvisada. A execução calma em situações difíceis é um sinal distintivo da classe. A inteligência artística é igualmente vital, abrangendo julgamento composicional, moderação e consciência do espaço negativo. Um artista da NOVA compreende por que uma decisão é tomada, não apenas como executá-la.

A fiabilidade é o filtro final, pois os inspetores procuram a repetibilidade do resultado em vários tipos de pele e localizações, garantindo que o artista possui a inovação de estilo necessária para desenvolver uma linguagem reconhecível que impulsione a indústria. Esses critérios garantem que a NOVA seja uma designação voltada para o futuro, avaliando se o trabalho atual mostra um caminho claro em direção aos padrões globais de elite.

A mensagem para a atual elite global é clara, pois o futuro não é mais um horizonte distante, ele está aqui, é preciso e brilha com a intensidade de uma nova.