L'architetto concettuale dell'anima

Nella storica e soleggiata cittadina di Marsaskala, Arlen Bellotti non opera solo come tatuatore, ma anche come terapista concettuale della pelle.

A 28 anni, Bellotti è diventato il Concettualista della classe NOVA 2026, un titolo ottenuto attraverso un processo che rifiuta di iniziare fino a quando non viene raggiunto un breakthrough psicologico con il cliente. Il suo percorso è iniziato con una tradizione maltese profetica: da bambino gli sono stati presentati diversi oggetti per predire il suo futuro e lui ha scelto un pastello. Questo percorso lo ha portato a frequentare per sette anni la scuola d'arte, dove ha studiato di tutto, dalle belle arti al graphic design, prima di lasciarla per seguire il "ronzio della macchina", come dice lui. Descrive il suo sviluppo iniziale come un periodo di ricerca di un mezzo che combinasse la disciplina strutturale del design con l'impatto emotivo grezzo delle belle arti, trovando infine entrambi nel segno permanente del tatuaggio.

Lo stile distintivo di Bellotti, Anatomical Architecture, tratta il corpo umano come un collaboratore primario. Ispirato dalla precisione clinica di Inal Bersekov e dal talento narrativo oscuro di Oscar Åkermo, il suo lavoro è caratterizzato dall'intelligenza anatomica. Non si limita a posizionare un disegno, ma lo integra nella struttura scheletrica di chi lo indossa, tracciando il flusso dei muscoli per creare un'opera che sembra cresciuta piuttosto che applicata. Quando parla del suo approccio, Arlen afferma: "L'arte cresce quando l'artista trova la pace interiore, e voglio che il mio lavoro rifletta questa armonia strutturale". Questa serenità si riflette nella precisione chirurgica delle sue linee, che combinano linee potenti e marcate con linee sottili e precise per creare un forte contrasto visivo. Considera ogni sessione come un'esplorazione della struttura interna del cliente, sia fisica che emotiva.

SKINGRAPHICA sono rimasti colpiti dalla sua consapevolezza dello spazio negativo, utilizzando il tono della pelle del cliente per creare profondità e struttura. I suoi disegni spesso raffigurano statue sezionate o figure in caduta che si trasformano in buchi neri geometrici, metafore visive delle storie che i suoi clienti hanno a cuore. C'è una chiara comprensione di come i diversi gruppi di aghi invecchieranno nel tempo, consentendo alla profondità di svilupparsi naturalmente. È sicuro di sé nell'impegnarsi a utilizzare neri solidi completamente saturi dove è necessaria la forma, mentre utilizza magnum curvi per passare agevolmente allo spazio negativo senza traumi visibili. Il posizionamento della fonte di luce è intenzionale e coerente, con luci posizionate in modo da riflettere il modo in cui la luce cadrebbe naturalmente sull'anatomia del corpo. Questo crea un senso realistico di profondità e movimento che guida lo sguardo attraverso il tatuaggio in modo narrativo.

Nel complesso, il suo lavoro ha una presenza più audace e saturata rispetto a molti dei suoi contemporanei, pur mantenendo chiarezza e struttura. La sua inclusione nella Rising 20 è una testimonianza della sua capacità di tradurre concetti psicologici complessi in arte strutturale e permanente.

Il maestro del contrasto bianco su nero

Konrad Horodecki, noto come Rudy Dziara, ha ottenuto il riconoscimento internazionale per il suo lavoro nella nicchia tecnicamente impegnativa dei tatuaggi bianco su nero. Con sede a Cracovia presso Orfen Tattoo, la sua attività richiede una profonda comprensione della tolleranza della pelle e del comportamento di guarigione a lungo termine.

SKINGRAPHICA sono rimasti impressionati dal suo controllo disciplinato della macchina, in particolare dalla sua capacità di riempire completamente il pigmento nero mantenendo l'integrità della pelle in zone sensibili come il polso e l'interno del braccio. Il suo processo richiede un'immensa pazienza. L'introduzione di inchiostro bianco su un nero già saturo è un'operazione delicata che richiede mesi di recupero per consentire all'inchiostro di stabilizzarsi correttamente. Questo metodo richiede una tensione ridotta della macchina e una velocità precisa della mano per evitare traumi inutili.

Il lavoro di Horodecki riflette una maturità tecnica che deriva solo da anni di osservazione dei risultati guariti. La sua capacità di gestire la fisica del deposito dell'inchiostro e il recupero epidermico si traduce in un lavoro strutturalmente solido e visivamente sorprendente, che lo contraddistingue come leader nel blackwork astratto e grafico.

Questo artista non ha partecipato all'intervista e, pertanto, il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

Il Neo-Irezumi Navigator del Pacifico

Jaeyun Lee, conosciuto dalla comunità globale come Ryun, sta ridefinendo i confini del tatuaggio tradizionale giapponese dalla sua base ad Auckland, in Nuova Zelanda.

In qualità di artista NOVA, Ryun rappresenta l'era dei nomadi digitali, artisti che portano tradizioni secolari nell'era moderna con una fluidità fresca e contemporanea. Il suo percorso è stato movimentato: da star della break dance nella famosa S.P. Crew al servizio militare al confine tra Corea del Nord e Corea del Sud, fino ad arrivare a un apprendistato nella scena underground dei tatuaggi di Seul. "La disciplina che ho imparato nell'esercito e nella danza è esattamente ciò che metto nel mio lavoro con l'ago", osserva Ryun quando parla dei suoi primi passi. Descrive la sua formazione come un periodo di intensa concentrazione in cui ha imparato a padroneggiare il flusso della forma umana, trattando ogni tatuaggio come una performance con l'inchiostro.

La filosofia di Ryun è quella di una dedizione monacale. Guidato da alcuni dei più eccezionali artisti coreani e successivamente scoperto in Nuova Zelanda da Hamish McLauchlan, considera il tatuaggio come un legame permanente. Il suo lavoro è caratterizzato da narrazioni su larga scala che avvolgono il corpo in modo da rispettare le antiche regole dell'iconografia giapponese, introducendo al contempo una tavolozza di colori contemporanea. Come spiega Ryun, "Padroneggiare il drago è una disciplina che richiede decenni e ogni scaglia deve essere posizionata con assoluta intenzionalità". Questa serietà di intenti è evidente nel suo stile Neo-Irezumi, che gli ha valso la reputazione di tecnico di livello mondiale. Egli ritiene che il tatuaggio non debba essere solo un disegno, ma un'armatura protettiva per chi lo indossa, infondendo loro lo spirito dei motivi che portano.

SKINGRAPHICA per il Rising 20 sono rimasti colpiti dalla sua straordinaria coerenza nella produzione e dalla stabilità delle linee nei grandi tatuaggi sulla schiena. Padroneggiare il tatuaggio del drago richiede innumerevoli ore di disegno prima di avvicinarsi alla pelle. Ogni scaglia eseguita da Ryun è posizionata con precisione, utilizzando raggruppamenti di bugpin combinati con linee leggermente svasate per creare chiarezza e profondità senza interrompere il flusso. La sua comprensione del contorno anatomico permette a ogni drago di muoversi naturalmente lungo la forma, avvolgendo e respirando con il corpo. Ciò che lo distingue davvero è la coerenza delle sue teste di drago da tutte le angolazioni, frontali, di profilo e di tre quarti, qualcosa che pochissimi artisti riescono a eseguire in modo impeccabile.

Il percorso di Ryun riflette la stessa disciplina storicamente studiata dai maestri artisti giapponesi di tebori. La sua abilità tecnica e la sua comprensione della forma lo posizionano saldamente a un livello di classe mondiale. Evita il rumore del settore, concentrandosi invece sulle profonde radici tecniche del mezzo. Per Ryun, un drago non è semplicemente forte, è preciso, rendendolo il navigatore definitivo dell'arte giapponese moderna nel Pacifico.

Lo specialista del vetro colorato

Ash MacIsaac ha perfezionato una tecnica specifica di applicazione del colore che conferisce alle sue opere un caratteristico effetto vetro colorato. Attraverso l'uso controllato di pennellate magnum, crea un senso di profondità e struttura realistico nei suoi disegni botanici e neotradizionali.

Gli ispettori hanno notato un equilibrio deliberato nella loro applicazione, un vantaggio tecnico che rimane fluido evitando un aspetto eccessivamente levigato. Questo crea una qualità tattile che integra l'arte nella pelle piuttosto che lasciarla sulla superficie. Una delle più grandi risorse tecniche di MacIsaac è la sua moderazione con i riflessi bianchi. Posizionando solo il riflesso necessario per migliorare la forma senza sovrastare i motivi principali, mantiene l'integrità della composizione. A questo si aggiungono linee a doppio taglio e ombreggiature a frusta, che introducono una dimensione sottile senza attirare l'attenzione sulla tecnica stessa. La loro comprensione del tono della pelle e dell'interazione dei colori assicura che il pigmento sia depositato alla profondità corretta, dando vita a un lavoro che appare raffinato, integrato e visivamente equilibrato.

Questo artista non ha partecipato all'intervista e quindi il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

L'alchimista della luce liquida

A 29 anni, Andres Makishi ha già imparato una delle tecniche più difficili del tatuaggio, la fisica della luce. Nato in Perù e ora figura di spicco del Garden Ink di Manhattan, Makishi è l'alchimista della classe NOVA 2026. Il suo caratteristico stile Chrome Realism fa apparire il derma umano meno simile alla pelle e più simile alla superficie di mercurio raccolto o argento lucido.

Il suo percorso è iniziato in una famiglia di pittori, dove l'arte era la lingua madre. Il suo primo tatuaggio è stato eseguito su un amico con un'attrezzatura fatta in casa costruita da suo padre, un inizio popolare che è stato poi perfezionato da una formazione formale in graphic design. "Mi sono trasferito a New York per crescere e trovare la mia voce", dice Andres del suo trasferimento negli Stati Uniti. Descrive i suoi primi anni come una ricerca incessante del "bagliore credibile", trascorrendo ore a studiare il modo in cui la luce si riflette sugli oggetti metallici e cercando di capire come ricreare quell'intensità usando solo inchiostro e pelle.

La filosofia di Makishi è quella di una costante evoluzione e di un'alchimia ad alto contrasto. Ispirato dalla meticolosa precisione di Dmitry Samohin e dall'audacia stilistica di Victor Chil, Makishi affronta ogni tatuaggio non solo come un disegno, ma come un sito architettonico per la luce. "Il mio obiettivo è creare un bagliore e un riflesso credibili che cambino il modo in cui il corpo viene percepito", spiega. Questo livello di esecuzione deriva da una comprensione avanzata della velocità della macchina, della pressione della mano e della corretta selezione del calibro dell'ago. Ogni tono nel suo lavoro è deliberatamente posizionato e completamente riempito, affiancato con precisione al valore successivo per creare una finitura metallica convincente. Egli considera il corpo umano come una struttura che può essere trasformata in un gioiello di alta gamma attraverso l'attenta applicazione di luci e ombre.

SKINGRAPHICA per il Rising 20 sono rimasti sbalorditi dalla sua costante concentrazione nel navigare tra complesse texture metalliche. La creazione di un effetto di riflesso realistico all'interno di ogni quadrato geometrico va ben oltre l'uso di luci bianche, richiede una comprensione controllata dei riflessi e delle transizioni tonali. Il suo controllo dell'ago è eccezionale, consentendogli di lavorare con sicurezza in spazi ristretti senza compromettere l'integrità della pelle. Il suo stile disco-ball reinventato è diventato un marchio di fabbrica, basato su una preparazione disciplinata e un posizionamento meticoloso dello stencil che si mantiene durante l'intero processo. Altrettanto impressionante è la stabilità della sua mano, che sa esattamente dove deve essere posizionata ogni luce per evitare distorsioni. Questo livello di controllo assicura che l'effetto cromato sia corretto da ogni angolazione. Makishi dimostra un controllo completo nel lavoro di linea, negli shader rotondi per un riempimento denso e nei magnum per una saturazione solida. La sua selezione per il Rising 20 è un riconoscimento della sua capacità di creare texture tatuabili, trasformando l'arto di un cliente in un capolavoro scintillante e tridimensionale.

La poetessa oscura dell'underground accademico

Nel paesaggio industriale e cupo di Berlino, Lolita Malenkina, conosciuta come Lolita Malen, crea opere che sembrano fiabe inquietanti. Il suo percorso è iniziato con un'educazione rigorosamente accademica a Rostov sul Don, anni di scuola d'arte, college e università dove era costretta a seguire regole rigide. "Mi sono resa conto di essere un'estranea tra i miei simili", dice del suo periodo nel mondo dell'arte formale, "e non riuscivo a respirare in quel contesto".

Questa consapevolezza l'ha portata nel mondo underground dei tatuaggi, dove ha infranto le regole pur mantenendo la sua disciplina accademica. Oggi è una leader del surrealismo dark e crea altari narrativi per i suoi clienti nel suo studio di Berlino. Descrive il suo passaggio dalla tela alla pelle come un momento di profonda liberazione in cui ha finalmente trovato un mezzo che richiedeva sia il suo rigore tecnico che la sua visione oscura e poetica. Lo stile caratteristico di Lolita è una miscela di estetica dark e precisione delle linee sottili. Le sue opere presentano spesso forme scheletriche, delicati motivi floreali e simbolismo occulto, resi con una chiarezza che smentisce l'oscurità del soggetto.

La sua filosofia è semplice: il tatuaggio dovrebbe essere un'esternalizzazione permanente del mondo interiore di chi lo indossa. "Un buon lavoro significa trovare il perfetto equilibrio tra l'anatomia e la storia", osserva. Questo approccio garantisce che i suoi tatuaggi non siano solo immagini statiche, ma parte di un flusso continuo che segue la struttura del corpo. Utilizza l'anatomia per creare composizioni astratte e audaci, in cui i bordi neri solidi ancorano le forme mentre il colore si muove fluidamente attraverso il disegno. Il suo lavoro è spesso un'esplorazione dei cicli della vita e della morte, reso con un'eleganza che rende bello il macabro.

SKINGRAPHICA per la lista NOVA hanno sottolineato la sua assoluta compostezza durante le sessioni complesse. Ha una rara capacità di unificare lo sfondo e il soggetto in un unico flusso continuo. I suoi sfondi surreali si fondono perfettamente con i motivi centrali, creando una chiara gerarchia visiva che guida naturalmente l'occhio dello spettatore.

C'è una forte qualità pittorica nel suo lavoro, ogni tatuaggio si legge come una serie di pennellate intenzionali tradotte direttamente sulla pelle. Dove è richiesta l'oscurità, lei si impegna pienamente con una saturazione densa e sicura, dove è necessaria la morbidezza, i toni si fondono in modo pulito con il colore naturale della pelle. La capacità di Lolita di fondere primo piano e sfondo attraverso un'esecuzione a mano libera controllata mostra una profonda comprensione tecnica che va oltre l'affidamento allo stencil. Il suo lavoro dimostra una raffinata padronanza del flusso, dell'equilibrio e dell'integrazione anatomica.

La sua selezione per il Rising 20 è un riconoscimento della sua lungimiranza terapeutica e delle sue basi tecniche. Nonostante la sua ribellione contro l'accademia, utilizza la sua formazione formale per garantire che ogni disegno sia strutturalmente solido. È una maestra del gioco lungo, che comprende come i pigmenti scuri si depositano nella pelle per creare una profondità permanente e suggestiva.

Il tecnico del realismo senza sforzo

Dan McWilliams, che lavora presso UNIT-01 TATTOO a Los Angeles, ha un dono raro: quello di rendere il realismo ipertecnico apparentemente senza sforzo. Il suo lavoro è caratterizzato da una straordinaria padronanza del controllo del colore, in particolare ai bordi dei suoi motivi.

Gli ispettori hanno sottolineato la sua capacità di trovare il perfetto equilibrio in cui un disegno appare nitido senza diventare duro, fondendosi naturalmente con la pelle di chi lo indossa. Ciò richiede una comprensione sofisticata della profondità dell'ago e della velocità della mano, nonché una padronanza meticolosa delle sfumature di grigio e delle transizioni di colore.

La forza creativa di McWilliams risiede nella sua capacità di fondere elementi fotografici realistici con riferimenti animati, come l'abbinamento di console di gioco iperrealistiche con vivaci personaggi Pokémon. Questo gioco di texture richiede una selezione di aghi di alto livello, passando da bugpin a raggruppamenti più aperti per ottenere dettagli intricati senza traumatizzare la pelle. Il suo lavoro magnum mostra una mano sicura e un'eccellente saturazione, fornendo una finitura di lunga durata. Ogni composizione è unificata da una matura comprensione della luce e dell'ombra, utilizzando tecniche di ombra proiettata che riflettono una profonda comprensione della struttura visiva e del posizionamento anatomico.

Questo artista non ha partecipato all'intervista e pertanto il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

Il fisico del realismo tonale

Nel paesaggio metodico e attento al design di Linköping, in Svezia, Aldo Moreno ha trascorso un decennio ossessionato da un'unica sfida: come catturare il comportamento fugace della luce in un mezzo permanente.

Specializzato nel realismo in bianco e nero e a colori, Moreno è diventato un punto di riferimento globale per la gestione tonale. Il suo percorso non è iniziato con una macchina, ma con una macchina fotografica e una matita, sviluppando un occhio fotografico che gli permette di vedere i valori della luce in un modo che pochi altri artisti riescono a fare. Tratta la pelle come un sito clinico per la sperimentazione, concentrandosi sulle sfumature non tatuabili, l'umidità dell'occhio umano, il riflesso freddo sull'acciaio lucido o il modo in cui un'ombra si ammorbidisce su una curva. Prima ancora di toccare una macchina per tatuaggi, ha trascorso anni a studiare i maestri classici della pittura, imparando come la luce definisce la forma e come ricreare quella profondità su una superficie piana.

Operando presso l'Inkwise Tattoo Studio, Moreno si è costruito una reputazione per il suo lavoro che sembra tridimensionale. Il suo approccio è radicato nella convinzione che l'artista debba essere un maestro della visione a lungo termine, comprendendo come i pigmenti interagiscono con la biologia della pelle nel corso dei decenni. "Un buon lavoro è un lavoro tecnicamente chiaro e che resiste alla prova del tempo", osserva Moreno quando parla della sua attuale fase professionale. Egli nota che molti artisti trascurano l'importanza della guarigione, mentre lui dà la priorità al risultato finale e definitivo piuttosto che alla foto immediata e fresca. Questa filosofia di chiarezza tecnica è influenzata dal suo studio dei principi tradizionali di composizione del corpo intero, spesso presenti nei body suit giapponesi, che egli adatta al realismo moderno. Egli ritiene che il tatuaggio debba rispettare il flusso su larga scala del corpo anche quando il soggetto è iperrealistico.

SKINGRAPHICA sono rimasti particolarmente colpiti dalla sua tecnica di stratificazione non traumatizzante. Aldo dimostra padronanza in diversi approcci, dal lavoro magnum a contorni morbidi in nero e grigio alle tecniche open mag che utilizzano grigi opachi, spesso fondendo questi metodi in modo armonioso. Egli integra anche elementi di realismo cromatico in composizioni prevalentemente in nero e grigio senza alterarne l'equilibrio. Il suo lavoro di progettazione sembra naturale, ma è chiaramente il risultato di anni di studio. Non esita a utilizzare sfumature rotonde o gruppi di mag più piccoli per ottenere dettagli precisi in aree ristrette, un approccio che molti artisti evitano a causa della sua difficoltà. Il risultato è un lavoro che appare potente, fluido e perfettamente allineato con l'anatomia. Per Aldo, il passaggio dalle maniche su larga scala alle composizioni a schiena intera è il momento in cui la sua comprensione del flusso del corpo brilla davvero.

La sua selezione come artista NOVA è una testimonianza della sua traiettoria e della sua coerenza, che lo contraddistingue come maestro della fotografia vivente e leader del realismo europeo. Gli ispettori hanno notato che la sua capacità di mantenere la salute della pelle pur raggiungendo livelli così elevati di saturazione è il segno di un tecnico d'élite che comprende i limiti biologici e il potenziale della sua tela.

L'evoluzionista tradizionale

Con sede a Ellicott City presso Living Lore Tattoo, Max Murphy possiede una rara capacità di assorbire le fondamenta secolari del tatuaggio tradizionale americano e tradurle in un linguaggio grafico personale. Il suo lavoro è uno studio di esecuzione pulita, caratterizzato da una forte saturazione e da linee nitidissime.

SKINGRAPHICA hanno notato che non c'è alcuna esitazione nella sua mano, ogni bordo è una decisione deliberata e precisa. Il suo background nel design è evidente nell'equilibrio strutturale e nella chiarezza delle sue composizioni, passando senza soluzione di continuità dagli schizzi digitali all'arte permanente sulla pelle con assoluta sicurezza.

Una delle sue caratteristiche tecniche più distintive è una sottile morbidezza ai bordi, quasi come se l'ago fosse stato leggermente aperto o svasato, creando una qualità arrotondata e pittorica che si colloca a metà strada tra il lavoro di linea tradizionale e l'ombreggiatura rotonda. La sua tavolozza è altrettanto raffinata, optando per colori densi e controllati che sembrano ricchi e senza tempo piuttosto che opprimenti.

Murphy rappresenta un'evoluzione moderna e sobria di questa arte, in cui il potenziale per composizioni su larga scala è significativo. Rimane un modello di controllo tecnico, dimostrando che la semplicità, quando eseguita con assoluta precisione, rimane una delle forme più potenti di tatuaggio.

Questo artista non ha partecipato a un'intervista e, di conseguenza, il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

, visionaria del realismo grafico, porta nella scena artistica di Los Angeles un atteggiamento distintivo e senza compromessi. Il suo lavoro è immediatamente riconoscibile per la sua naturale audacia, che abbina linee nere completamente saturate a transizioni tonali morbide e senza soluzione di continuitàSKINGRAPHICA

SKINGRAPHICA hanno elogiato la sua capacità di sfumare il nero e il grigio nella pelle, consentendo agli elementi di dissolversi naturalmente pur mantenendo un punto focale nitido. Questo equilibrio tra moderazione e impatto è un punto di forza determinante della sua pratica artistica.

Dal punto di vista creativo, Nagar infonde al suo realismo un tocco giocoso, quasi comico, ottenuto attraverso il contrasto tra linee grafiche e dettagli micro-realistici. Dal punto di vista tecnico, la sua padronanza della luce e dello spazio negativo è avanzata. Dimostra una profonda comprensione del controllo delle sfumature di grigio, sapendo esattamente quando utilizzare i toni medi o le sfumature altamente diluite per ottenere profondità.

Ogni tatuaggio è trattato con la precisione di un gioiello, posizionato esattamente dove deve stare sul corpo. La sua disciplina nel sapere quando fermarsi, lasciando respirare la pelle, assicura che il suo lavoro invecchi con grazia e chiarezza.

Questo artista non ha partecipato a un'intervista e quindi il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

La scultrice anatomica

A Pordenone, in Italia, Federica Orlando ha costruito la sua carriera su una comprensione eccezionale del flusso del corpo. Il suo lavoro presso Sinked Art Tattoo appare continuo e intenzionale, progettato per muoversi e respirare con i muscoli di chi lo indossa.

SKINGRAPHICA hanno notato il suo approccio unico al blackwork e alla struttura geometrica, che permette allo spazio negativo di agire come elemento primario del disegno. Nel suo portfolio non c'è traccia di traumi visibili causati dall'ago, tutto è liscio, controllato e deliberato.

Tecnicamente, Orlando attinge dai principi tradizionali giapponesi per ancorare il suo blackwork moderno. Comprende la gerarchia dell'ago, sapendo esattamente quando è necessaria una linea audace per la struttura e quando il lavoro magnum deve prendere il sopravvento per definire i contorni e la massa. Non teme l'oscurità, utilizzando neri profondi e saturi per creare la sensazione che il tatuaggio emerga dal corpo. Il suo approccio a mano libera e la sua consapevolezza anatomica consentono ai suoi disegni di avvolgere e fluire in modo naturale, dando vita a composizioni potenti e fluide che rappresentano un metodo tecnico raffinato e una forte disciplina artistica.

Questo artista non ha partecipato a un'intervista e, di conseguenza, il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

L'iconoclasta strutturale della nuova avanguardia

Nato in una piccola città vicino a Venezia, Italia, e ora figura dominante nella scena dei tatuaggi di Melbourne, Sebastiano Perazzetta, universalmente noto come Peste, è un artista che vede il corpo umano non come una tela, ma come un luogo di intervento architettonico.

La sua storia ha radici nell'osmosi culturale di una crescita circondata dalla scultura rinascimentale e dall'architettura veneziana. Pur non avendo una formazione artistica formale, Peste ha trascorso la sua adolescenza frequentando i musei e l'Accademia di Belle Arti di Venezia, imparando le leggi della composizione e dell'anatomia attraverso l'osservazione diretta. Questa base autodidatta è stata poi temperata da un rigoroso apprendistato presso Genesi Tattoo sotto la guida di Luca Ingrosso e Andrea Pennacchia, dove ha imparato che la fantasia rock n' roll del tatuaggio era secondaria rispetto alla disciplina inconscia del mestiere.

Descrive i suoi primi anni come un periodo di intensa concentrazione, durante il quale ha imparato a trattare la macchina per tatuaggi con lo stesso rispetto con cui un architetto tratta il pennino da disegno. Lo stile caratteristico di Peste è una fusione ad alta tensione di blackwork, astrazione geometrica e surrealismo oscuro. Descrive il corpo come una macchina perfetta con bellissime imperfezioni, e il suo obiettivo è quello di creare abiti che ne esaltino il flusso naturale. Questo approccio strutturale è ciò che ha attirato l'attenzione della lista NOVA.

Il suo genio strutturale risiede nella sua capacità di utilizzare la topografia del corpo per ancorare i suoi disegni, una tecnica che garantisce che un'opera abbia lo stesso impatto durante uno sprint quanto in una posa statica. Nel descrivere la sua filosofia, Peste afferma: "Amo l'arte e la libertà di creazione. Mi concentro sull'architettura del tatuaggio e su come interagisce con il movimento della forma umana". Si considera un designer del corpo, che crea strutture estetiche su misura che cambiano il modo in cui una persona si muove nel mondo.

Da un punto di vista tecnico, Peste è un titano del contrasto e della profondità. Il suo lavoro è immediatamente accattivante, costruito attorno a composizioni geometriche stratificate che sembrano sovrapporsi l'una all'altra. Ha una forte padronanza del contrasto, sapendo esattamente quando impegnarsi in neri solidi e saturi e quando passare a sfumature più chiare o puntinature per ammorbidire un'opera. Il suo uso di linee granulose e ombreggiature puntinate aggiunge una qualità tattile che conferisce ai suoi tatuaggi un senso di movimento e fluidità. La scala è una parte fondamentale del suo approccio: non si limita nelle dimensioni, ma utilizza invece tutto il corpo come una tela. Ciò richiede una profonda conoscenza dell'anatomia, che è evidente nel suo uso sicuro del tatuaggio a mano libera, che permette a ogni disegno di essere modellato direttamente sul corpo individuale.

Il suo lavoro è audace senza compromessi, con aree nere intense bilanciate da uno spazio negativo intenzionale che guida lo sguardo attraverso la composizione. Peste è anche un artista collaborativo unico nel suo genere, in grado di assorbire e fondere diverse influenze stilistiche nel proprio linguaggio senza perdere la propria identità.

SKINGRAPHICA hanno sottolineato il suo ruolo di innovatore che ha portato la raffinatezza strutturale italiana sulla scena mondiale. La sua maestria nella consistenza della profondità e la stabilità del suo blackwork ad alto contrasto assicurano che le sue visioni architettoniche rimangano nitide per tutta la vita.

Il titano della precisione iperrealista

Con sede a San Antonio, in Texas, Minh Pham, fondatore di Hyper Inkers, è uno degli iperrealisti tecnicamente più competenti sulla scena mondiale. Nato in Vietnam nel 1999 e cresciuto con la passione per il disegno di piccoli oggetti, il percorso di Minh è iniziato all'età di sedici anni. Dopo aver studiato graphic design all'università, nel 2019 si è trasferito negli Stati Uniti, superando le sfide culturali per diventare un maestro di fama mondiale.

Oggi è un veterano di oltre quindici convention mondiali e ha ricevuto più di trenta premi per il suo realismo. "Se è visivamente sorprendente, mi affascina", dice Minh, "e voglio che il mio lavoro abbia lo stesso potente impatto su chiunque lo veda". Il suo sviluppo iniziale è stato definito dalla lezione di "disciplinarsi e mantenere viva la passione", una filosofia che porta con sé in ogni sessione.

La filosofia di Minh è semplice: una ricerca incessante dell'eccellenza e della chiarezza visiva. Tratta la macchina per tatuaggi con la precisione di un maestro artigiano, concentrandosi sui minimi dettagli della ritrattistica, sulla consistenza dei pori della pelle, sulla morbidezza dei capelli e sul potere emotivo dello sguardo umano. È già un professionista di alto livello quando si tratta di tatuaggi su larga scala. Il suo lavoro mostra una comprensione deliberata di come un disegno debba viaggiare attraverso il corpo, dove ogni elemento è parte di un percorso visivo più ampio piuttosto che pezzi isolati affiancati.

È particolarmente noto per il suo stile "Oni Doll", ispirato alle bambole thailandesi Kumanthong, che esegue con una miscela unica di orrore e bellezza. Crede che un "buon lavoro" non debba solo essere tecnicamente valido, ma anche distinto e diverso da qualsiasi altra cosa nel settore.

SKINGRAPHICA hanno notato la sua straordinaria maestria nella gestione di composizioni vaste e iperrealistiche. Il suo lavoro dimostra una chiara e deliberata comprensione di come un disegno debba svilupparsi sul corpo, dove ogni elemento è parte di un percorso visivo più ampio piuttosto che pezzi isolati.

Utilizza colori forti, linee decise e contorni definiti per separare le forme, mentre fonde perfettamente le transizioni attraverso un lavoro controllato con il magnum. Le sue scelte cromatiche sono audaci ma raffinate, con sfumature direzionali morbide che danno un senso di maestosità. Fondamentalmente, il suo lavoro è radicato nei metodi tradizionali, tra cui neri solidi, linee strutturate e un uso ponderato delle ombre. Ciò che eleva il suo lavoro è la capacità di adattare queste decisioni in tempo reale, modificando la sua tavolozza e la sua tecnica per adattarsi al tono della pelle di ogni cliente.

Gli ispettori hanno notato il suo eccezionale controllo con aghi magnum a bordo morbido e bugpin, che consentono alle forme di fluire naturalmente nella pelle senza bordi netti. Questo equilibrio di morbidezza e struttura guida lo sguardo dello spettatore attraverso la composizione con assoluta chiarezza. Eseguire lavori di questa portata, spesso in contesti convenzionali, richiede un livello di disciplina e preparazione che pochi possiedono. È audace con i colori e inconfondibilmente potente nell'esecuzione.

L'architetto del surrealismo introspettivo

Nel frenetico mondo dei tatuaggi di New York City, l'artista conosciuta dalla comunità globale come Poesis ha creato un rifugio di quiete e profondità psicologica. A 28 anni e con 5 anni di esperienza nel mondo dei tatuaggi, il suo lavoro tratta la forma umana come un luogo di surrealismo introspettivo, che spesso sembra emanare da sotto la pelle.

Poesis è entrata nella lista NOVA 2026 considerando il tatuaggio come uno spazio condiviso e preciso in cui l'intuizione dell'artista e la storia emotiva del cliente si intersecano. Il suo percorso è un'odissea moderna: nata in Israele, ha trascorso i suoi primi vent'anni come nomade dell'ago, viaggiando attraverso il Regno Unito, la Francia, la Germania e la Svizzera per assorbire i distinti linguaggi artistici dell'Europa, prima di stabilirsi definitivamente nel crogiolo creativo di Manhattan. Questa esistenza nomade ha influenzato significativamente la sua vita, plasmando direttamente i temi della sua arte che si concentrano sulla connessione, la memoria e la condizione umana.

La svolta nella sua carriera è stata un incontro fatidico con il maestro del micro-realismo Kozo. Affascinata dalla sua capacità di riprodurre capolavori complessi con precisione chirurgica sulla pelle, ha trascorso un mese al suo fianco imparando la delicata fisica della teoria dei colori e della profondità dell'ago. Questo tutoraggio è stato il catalizzatore della sua evoluzione, portandola a considerare il suo lavoro come un dialogo tra il conscio e il subconscio. Come lei stessa spiega il suo approccio, "L'ispirazione principale è sempre costituita dalle emozioni che si celano sotto la superficie". Questa filosofia si traduce in opere uniche che fondono motivi surrealisti, come libri con uccelli che emergono dalle pagine, porte che conducono ad altre dimensioni o figure intrappolate in scatole metalliche, il tutto reso con un realismo morbido e pittorico.

Sottolinea che il suo sviluppo si basa su un principio semplice: "Agisci con coraggio e gentilezza, e tutto il resto verrà da sé". Per lei, il legame con il cliente è più importante di qualsiasi opera d'arte che potrà mai realizzare.

Da un punto di vista tecnico, Poesis è una maestra nella capacità di prevedere la guarigione. SKINGRAPHICA hanno notato la sua rara comprensione di come le idee surrealiste vivono sul corpo nel tempo. Lavorare nel surrealismo, specialmente nelle scale più piccole che spesso predilige, può portare gli artisti a complicare eccessivamente o sovraffollare un'opera, ma lei evita completamente questo rischio. Il suo lavoro è controllato, intenzionale ed equilibrato, con un chiaro punto focale e un forte senso di fluidità visiva.

Ha sviluppato una linea sicura e stabile che ancora le sue composizioni, consentendo alle immagini di mantenere la loro struttura mentre guariscono e invecchiano. Il suo uso dell'ombreggiatura a frusta introduce texture, morbidezza e una sottile crudezza che conferisce emozione all'opera senza sacrificare la chiarezza. Il colore gioca un ruolo di supporto nel suo portfolio piuttosto che sovrastare il disegno, con toni medi scelti con cura e sfumature sbiadite che completano la natura surreale delle sue immagini. La sua intelligenza anatomica assicura che queste narrazioni complesse si adattino naturalmente alle curve del corpo.

Ogni decisione tecnica, dallo spessore della linea al movimento del magnum, è al servizio della narrazione dell'opera. Il risultato è poetico ed espressivo, come se ogni tatuaggio fosse una storia visiva tratta da un libro di acquerelli. In tutte le sue opere è presente un chiaro senso di autentica comprensione artistica e talento naturale, che le ha fatto guadagnare un posto definitivo tra l'élite emergente mondiale.

Lo specialista dello stippling

Attivo a Milano con il nome di Pelle Ossa, Riccardo Rossi ha sviluppato una padronanza altamente raffinata dello stippling. Utilizzando aghi per linework con precisione chirurgica, crea un lavoro a punti denso e materico che conferisce ai suoi tatuaggi una qualità tattile simile alla grana.

SKINGRAPHICA sono rimasti colpiti dalla sua capacità di bilanciare queste trame intricate con linee audaci e spazi negativi intenzionali. Lasciando interruzioni della pelle accuratamente misurate, garantisce che le sue composizioni rimangano chiare e strutturate, anche quando integra elementi complessi. Rossi è particolarmente abile nel posizionamento controllato degli accenti rossi. Sia attraverso le lettere che attraverso riempimenti di colore selettivi, usa il rosso per dirigere lo sguardo senza permettergli di competere con il lavoro primario in nero e grigio. Si tratta di un ostacolo tecnico difficile da superare, poiché i colori vivaci possono spesso oscurare i piccoli puntini.

Il suo lavoro rimane elegante e deliberato, radicato nel linguaggio tradizionale del tatuaggio, ma spinto verso uno stile moderno ed evoluto. La sua capacità di fondere la sensibilità classica con l'esecuzione contemporanea a puntini conferisce al suo lavoro un'autenticità distintiva e lo posiziona come un tecnico di spicco nella scena globale del blackwork.

Questo artista non ha partecipato all'intervista e, di conseguenza, il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

L'architetto dell'animazione luminosa

Operando dalla Inkology Tattoo Art Gallery di Los Angeles, Tania Tkachenko, conosciuta come Green Vesper, ha aperto la strada a uno stile neo-tradizionale animato altamente raffinato. Il suo lavoro è un capolavoro all'incrocio tra fisica e fantasia, dove ogni punto luce è una mossa calcolata per dare alla pelle un senso di movimento.

SKINGRAPHICA l'hanno identificata come una figura di spicco grazie al suo eccezionale controllo del colore e della luce. Utilizza una tecnica che produce una finitura bagnata, simile al cromo, un'impresa difficile che richiede una miscelazione precisa dei colori e una comprensione rigorosa di come il pigmento si riflette sui contorni naturali del corpo.

Tecnicamente, il suo lavoro è caratterizzato da linee audaci e sicure che forniscono una base strutturale per transizioni più morbide e completamente saturate. Utilizza ombreggiature e stratificazioni di forme per creare un'illusione di profondità che sembra quasi tridimensionale. Ogni riflesso di luce nei suoi disegni Anime e Neo-Tradizionali è intenzionale, allineato con una fonte coerente per garantire che il tatuaggio sembri un'entità viva e pulsante. Questo livello di raffinatezza, che mantiene la vivacità senza sovraccaricare il derma, la contraddistingue come una voce unica e tecnicamente fondata nella scena contemporanea.

Questo artista non ha partecipato a un'intervista e, pertanto, il suo profilo è più breve e limitato principalmente a commenti tecnici.

Il ponte tra tradizione e ago

Con sede a Pechino, Jie Wu, conosciuta anche con il nome d'arte 吴婕, è un'artista che è riuscita a portare il mondo dell'arte classica cinese nel mondo dei tatuaggi.

A 34 anni, con nove anni di esperienza professionale alle spalle, è diventata una figura di spicco nel campo del realismo a colori. Il suo percorso è iniziato sotto la guida di Li Lu, conosciuta anche come Victoria Lee, una delle artiste realiste più rispettate della Cina. Il lavoro di Jie Wu è un capolavoro di integrazione pittorica, caratterizzato da una miscela unica di fluidità dell'acquerello e texture tradizionali della pittura a olio.

Lei considera il tatuaggio come un disegno vivente, come lo descrive lei stessa, che richiede un delicato equilibrio tra l'audacia della sua arte e la moderazione clinica necessaria per la permanenza. Ha trascorso i suoi primi anni di formazione concentrandosi sulla lezione più importante che abbia mai imparato, ovvero dare priorità al risultato finale guarito rispetto alla gratificazione visiva immediata di un tatuaggio fresco.

La filosofia di Jie Wu è incentrata sulla presentazione della bellezza e sulla trasmissione delle emozioni. "Voglio che il mio lavoro presenti la bellezza e trasmetta sentimenti profondi a chi lo indossa", spiega. Questa sensibilità l'ha resa una figura chiave nella scena di Pechino, dove si concentra intensamente sui risultati finali guariti del suo lavoro. Sottolinea che un buon lavoro è ciò che la incoraggia a creare opere ancora migliori.

Le sue influenze creative al di fuori del tatuaggio, tra cui il cinema, la fotografia e la pittura classica, plasmano il suo approccio unico alla pelle. È particolarmente nota per la creazione di texture che imitano i dipinti a olio, conferendo ai suoi tatuaggi una ricca qualità tattile rara in questo mezzo. I suoi ritratti possiedono spesso una qualità espressiva che dà l'impressione che il soggetto respiri all'interno della pelle.

SKINGRAPHICA sono rimasti sbalorditi dalla sua capacità di tradurre il realismo pittorico, quasi come se trasferisse un dipinto a olio direttamente sulla pelle, mantenendo al contempo un profondo rispetto per il modo in cui il tatuaggio deve vivere sul corpo. Il suo lavoro mostra una raffinata comprensione del tono della pelle come tela, che le permette di sovrapporre i colori in modo da conferire ai suoi ritratti una presenza realistica. Il risultato è animato, come se il soggetto ti guardasse dritto negli occhi.

Tecnicamente, la sua ritrattistica è altamente controllata. Conosce con precisione le sue macchine e i gruppi di aghi, in particolare nel suo lavoro con il magnum, dove usa un movimento morbido, simile a quello di un pennello, per lavorare delicatamente il pigmento sulla pelle. Questo approccio le permette di ottenere una saturazione omogenea e sottili transizioni di colore senza traumi. La sua padronanza del magnum è delicata ma sicura, in equilibrio tra la densità del pigmento e la conservazione della pelle.

Ciò che la distingue davvero è la sua abilità nel trattare le tonalità chiare della pelle, poiché riesce sempre a ottenere riflessi puliti e naturali e toni medi morbidi. Ogni opera sembra studiata e senza tempo, contraddistinguendola come maestra dello stile realistico pittorico.

L'avanguardia ad alta saturazione del XXI secolo

Nel cuore di Hangzhou, città sempre più riconosciuta come fucina globale di innovazione tecnica nel campo dei tatuaggi, Qiwei Xu, affettuosamente conosciuta dalla comunità globale come Meow-Meow, sta riscrivendo le leggi atmosferiche della saturazione del colore.

A 31 anni, con esattamente un decennio di esperienza professionale alle spalle, Meow-Meow è emersa come leader indiscussa del movimento Pop-Vanguard. Operando dal rinomato studio FFP Tattoo, il suo percorso è un esempio magistrale di come trasformare un'ossessione infantile in un'estetica sofisticata e di livello mondiale.

La sua storia non è iniziata nei silenziosi angoli di un apprendistato tradizionale, ma con un'irrefrenabile voglia di disegnare che l'ha accompagnata per tutta la vita, una spinta che alla fine l'ha portata a prendere in mano una macchina per tatuaggi dieci anni fa e a non guardarsi mai indietro. L'evoluzione del suo stile è una risposta diretta e vivace allo status quo "cool e drammatico" che ha dominato la scena del tatuaggio cinese per generazioni. Ha scelto una strada diversa, optando invece per una ribellione ottimista che tratta la pelle umana come un luogo di gioia dell'era digitale.

Lo stile caratteristico di Meow-Meow è una collisione ad alta tensione tra colori illustrativi e pop art realistica, che spesso presenta ritratti di animali domestici iper-saturi, estetica anime e distorsioni giocose che sembrano balzare fuori dal derma. Per lei, la lezione più importante dei primi anni di sviluppo è stata la consapevolezza che rimanere fedeli all'intenzione originale dell'arte è l'unico modo per mantenere la longevità in un settore incline a tendenze fugaci e monocromatiche. Considera il suo lavoro una forma ottimistica di espressione di sé, pensata per riflettere la vivacità interiore e la personalità di chi lo indossa.

Ispirata dallo spirito avant-garde dell'illustratore giapponese Cosmo, la filosofia di Meow-Meow è incentrata sull'idea del tatuaggio come disegno vivente. Affronta ogni progetto con una profonda sensibilità verso i desideri dei suoi clienti, spesso orientandosi verso immagini "carine" ma tecnicamente impegnative che sfidano le norme tradizionali, spesso maschili, del settore. Il suo percorso è stato caratterizzato da una crescita continua, segnata dalla sua capacità di colmare il divario tra la grafica dell'era digitale e la modifica fisica permanente.

Per lei, essere nominata artista NOVA è una conferma del suo impegno a mantenere viva la passione che la anima, pur mantenendo un'etica del lavoro instancabile, quasi clinica.

SKINGRAPHICA hanno identificato Meow-Meow come una candidata di spicco per la Global Rising 20 grazie al suo carico di pigmento impeccabile e alla pulizia assoluta della sua saturazione. Raggiungere i livelli di luminosità che produce, senza sovraccaricare la pelle o causare traumi eccessivi, è un ostacolo tecnico significativo che richiede una comprensione di livello master della profondità dell'ago e della tensione della macchina.

Gli ispettori sono rimasti particolarmente colpiti dalla sua audacia compositiva, notando la sua capacità di variare lo spessore delle linee, spesso raddoppiandole o variandone lo spessore, per creare forme più audaci e una separazione più netta tra primo piano e sfondo. Questa tecnica permette ai suoi disegni di rimanere leggibili e nitidi, anche su palette di colori complesse e ad alto contrasto.

La sua base tecnica è ulteriormente rafforzata dalla sua padronanza nella selezione degli aghi, utilizzando un'ampia gamma di gruppi, dai bugpin ai magnum a bordo morbido, per ottenere riempimenti puliti che seguono il flusso naturale dell'anatomia. Il suo uso di toni più chiari, in particolare gialli, arancioni e magenta, dimostra una sofisticata consapevolezza del tono della pelle e della chimica di come il colore si stabilizza nel tempo.

Combinando questa precisione tecnica con una visione unica e giocosa, Meow-Meow si è affermata come un titano tecnico, dimostrando che la vivacità non è solo una scelta stilistica, ma un'impresa ingegneristica.

Il maestro della narrativa neo-tradizionale

Nel vivace centro artistico di Hangzhou, in Cina, Mingyuan Yin, noto professionalmente come Myuan, sta creando un'eredità caratterizzata dal peso della tradizione e dalla precisione dell'era moderna.

A 28 anni, Myuan ha trascorso sette anni a perfezionare un'arte che si colloca all'incrocio tra il patrimonio culturale e il linguaggio visivo contemporaneo. Il suo lavoro è un capolavoro del tatuaggio New Traditional, uno stile che onora la profondità dell'iconografia orientale abbracciando al contempo le sofisticate tecniche dell'illustrazione moderna e del realismo.

Il viaggio di Myuan nel mondo dell'arte permanente è iniziato con una semplice ma profonda consapevolezza durante i suoi primi anni di formazione: l'assoluta necessità di una solida base nel disegno. A differenza di molti che si affrettano a padroneggiare la macchina, Myuan ha concentrato le sue energie iniziali sulla carta e sulla matita. Questa dedizione alla pratica gli ha permesso di sviluppare una padronanza della composizione e della forma che ora definisce la sua produzione professionale.

La sua filosofia è quella della sintesi culturale, in cui lo spirito fondamentale della cultura orientale viene tradotto attraverso luci e ombre realistiche. Egli approccia la pelle come sede di un sistema visivo moderno unico, fondendo la forza grezza del tratto tradizionale con un tocco raffinato e illustrativo. Per Myuan, l'anima di un tatuaggio risiede nel suo disegno originale, un principio che mantiene in ogni opera che crea. La storia dell'evoluzione di Myuan è racchiusa nella progressione del suo portfolio.

Dai primi disegni originali ai complessi cover-up che danno nuova vita a vecchi segni, la sua traiettoria è quella di una crescita costante. Una delle sue opere recenti più significative, intitolata Zhong Kui Catching Ghosts, è un perfetto esempio della sua capacità di intrecciare il folklore nel tessuto del corpo. Questo pezzo, come molte delle sue opere su larga scala, dimostra il suo impegno verso il progresso e il suo rifiuto di rimanere stagnante nel suo stile.

I suoi viaggi in Cina, Singapore e Malesia hanno ulteriormente ampliato la sua prospettiva, ma il suo sguardo è rivolto alla Germania. Cerca di capire come la cultura cinese viene percepita attraverso una lente occidentale, una curiosità che evidenzia il suo ruolo di ambasciatore culturale dell'ago.

SKINGRAPHICA hanno identificato Myuan come artista NOVA grazie alla sua eccezionale padronanza tecnica e alla sua intelligenza compositiva. Il suo approccio al tatuaggio New Traditional va ben oltre le classiche tavolozze di colori; trasmette un forte senso di narrazione realistica.

Gli ispettori hanno notato il suo controllo altamente sviluppato del lavoro con il magnum, osservando la sua capacità di sfumare i colori per ottenere morbidezza, pur mantenendo la capacità di una saturazione piena e di grande impatto. Possiede una rara destrezza con i bordi e gli angoli del magnum, che utilizza per modellare dettagli intricati nelle mani, nei volti e nelle texture complesse senza sovraccaricare la pelle. Questa versatilità tecnica, combinata con il suo uso di bugpin e shader rotondi svasati, gli permette di muoversi efficacemente su aree estese senza sacrificare i dettagli o la coesione.

Forse la cosa che ha colpito di più gli ispettori è stata la comprensione dell'anatomia e del posizionamento da parte di Myuan. I suoi layout sono metodici e guidati dal corpo, assicurando che ogni disegno sia strutturato specificamente per la forma unica che lo ospita, piuttosto che essere imposto su di essa. Dimostra una rara maturità nel sapere quando ancorare un'opera con linee audaci e tradizionali e quando introdurre linee sottili e colorate per migliorare il realismo.

Trattando ogni area del corpo con la stessa attenzione e lo stesso intento, Myuan si è affermato come una forza dominante nel lavoro a colori su larga scala. Il suo posto nella Global Rising 20 è un riconoscimento per un artista che ha saputo padroneggiare l'equilibrio tra l'antico e l'avanguardia, indicando un futuro in cui la tradizione cinese continua ad evolversi sulla scena globale.

Il rivoluzionario contemporaneo al neon

Nell'underground high-tech e inondato di luci al neon di Seul, Jiho Yoon, noto professionalmente come YOON, sta guidando una rivoluzione visiva. Come fondatore di Loyostudio, YOON rappresenta una nuova generazione di artisti sudcoreani che stanno rivendicando la propria identità da una storia di stigma sociale.

Il suo percorso è iniziato nel 2019, ma la sua anima artistica si è forgiata in tredici anni di disegno ossessivo. "Da bambino ero ribelle e ossessivo", ammette YOON, "amavo i dinosauri e gli insetti e spesso facevo cose insolite". Questa energia non convenzionale, unita al profondo amore per la musica elettronica e ai suoi due gatti, Eddie e Danji, ha dato vita al suo caratteristico stile Trippycat, un'estetica illustrativa psichedelica e ricca di dotwork che esplora l'idea di un singolo soggetto attraverso più dimensioni.

Considera la sua arte come un modo per rubare la bellezza dal mondo naturale e riconfigurarla per l'era moderna. La filosofia di YOON è quella della libertà individuale e dell'espressione di sé. Evita di seguire le tendenze, concentrandosi invece su ciò che desidera veramente creare. Questa autenticità lo ha reso una figura di culto nella scena artistica di Seul. Come lui stesso afferma, "La cosa più importante per me è la libertà di esprimere la mia visione senza compromessi". Il suo lavoro è caratterizzato da un'audacia compositiva, che utilizza lo spazio negativo e un intricato lavoro a punti per creare disegni grafici ad alto contrasto che risaltano sulla pelle.

Ogni opera sembra esplorativa e viva, mostrando un artista che si diverte sinceramente nel processo mentre spinge i propri limiti. Tratta la pelle come uno schermo digitale, sovrapponendo motivi e distorsioni che imitano l'estetica glitch del XXI secolo.

Dal punto di vista tecnico, YOON dimostra un forte controllo attraverso un deliberato rallentamento della velocità della macchina e della profondità dell'ago. Questo gli permette di ottenere un effetto puntinato e un'ombreggiatura a strati che consente alla pelle di mantenere texture complesse senza rompersi. Il risultato è un effetto pittorico in cui i singoli tratti dell'ago rimangono visibili, creando un linguaggio visivo quasi a doppia esposizione. Il suo lavoro di linea è intenzionale e sicuro, solido dove è necessario ancorare il disegno e dissolto in un effetto puntinato dove sono richiesti movimento e distorsione.

Questo livello di esecuzione deriva dalla stabilità e dalla precisione della mano piuttosto che dalla semplice tecnica. Il suo uso dell'inchiostro bianco è altrettanto sicuro, applicato con una chiara comprensione di come invecchierà, contribuendo comunque all'impatto visivo complessivo. Trippycat è audace nella sua espressione e si distingue già come una voce singolare con un potenziale da superstar.

SKINGRAPHICA hanno notato la sua innovazione tecnica e originalità, sottolineando la sua capacità di creare disegni densi e strutturati che mantengono la chiarezza. YOON considera il processo di progettazione stesso come la sfida definitiva, spesso lottando contro il proprio perfezionismo per garantire che ogni pezzo sia impeccabile. Egli rappresenta l'avanguardia asiatica, artisti che stanno andando oltre i confini legali dei loro paesi d'origine per influenzare l'estetica globale.